Dancing Hotel by budi pradono architects

Kepejalan & Kerapuhan Pameran Seni Keramik

Oleh: Bambang Asrini Widjanarko

Menyaksikan sebuah hajatan besar seni dua tahunan memberi kesan tersendiri. Apalagi partisipan internasional lumayan memukau karyanya. Seniman lokal pun tak kalah untuk bersaing menyoal mutu.

Galeri Nasional akhir September sampai pertengahan Oktober ini cukup menarik perhatian publik seni dengan pameran seni Jakarta Contemporary Ceramic Biennale # 3, 2014 dengan tema “Coefficient of Exspansion”. Temanya dipilihkan para kurator dengan cara menggiring ide tentang materi dan menawarkan pada para seniman tertentu kemampuan untuk menafsirkan dan melompati batasan-batasan kaku yang disebut sebagai seni keramik. Sebuah areal yang bagi seniman adalah sumber untuk bereksplorasi dan memunculkan karya-karya yang tak terduga.

Perhelatan ini kelihatannya diselenggarakan dengan cukup teliti,  membuat pemetaan seniman dengan prioritas-prioritas khusus yang telah berjalan selama tiga kali perhelatan. Orang-orang yang terlibat pun cenderung sama  semenjak dirintis pada 2009. Mereka konsisten meriset, membangun konsep, mengundang dan menseleksi para seniman yang  melakukan kerja-kerja di studio tertentu (workshop) dengan kelompok pekerja seni keramik lokal dan kalangan “industriawan keramik”, serta seniman keramik manca negara, setidaknya setahun terakhir. Kerja yang cukup melelahkan tampaknya.

Kurator memasukkan karya-karya yang disajikan di pameran dengan kriteria-kriteria mana  yang dianggap  seni; dan mau tidak mau mengklasifikannya sebagai seni kontemporer. Selanjutnya mana yang dianggap “masih kriya” atau craft alias kerajinan belaka—seperti yang disebut di katalog asal-muasal seni bermateri keramik oleh para kurator dalam pandangan akademisi barat pada seni modern. Sampai yang terakhir mana yang masuk dalam arena industri, yakni desain. Sebuah area dimana porsi fungsional berskala besar diproduksi dan dekat dengan kebutuhan-kebutuhan instan budaya kontemporer hari ini.

Menjadi menarik jika kita amati mereka yang oleh para kurator didefinisikan “menerabas”, yakni dibebaskan yang tidak lagi mementingkan materi dan teknik baku dalam seni keramik, apalagi tidak harus diproduksi secara masal. Siapa lagi jika bukan para seniman-seniman kontemporer. Mereka tak harus dinilai berhasil atau tidak mengalami proses tahapan pembakaran keramik dari hasil karyanya  yang dikatakan sempurna. Atau,  bahan dasar tanah liatnya sesuai dengan standar keramik, atau yang dimasukkan kriteria apakah mereka memakai  materi khusus di tanah air yang bisa menghasilkan sebuah karya yang disejajarkan dengan porselain? Bahkan yang terekstrem, mereka bisa jadi awam sama sekali soal materi keramik.   

Sensasi Visual

Maka nama seniman kita seperti Dadang Christanto, perupa yang bermukim di Australia, cukup bagus dipresentasikan sebagai pembuka di gerbang utama galeri dengan  “Java (2011)”. Kita tidak lagi disibukkan dengan teknik dan materi pada Dadang, dan ia bukan atau masuk dalam kriteria seniman keramik, namun kekuatan konsep dan narasi visual yang diunggulkan. Dengan jelas visualisasinya menggiring pada aura kematian dan keterpurukan kemanusiaan dengan tumpukan kepala tengkorak dari tanah liat. Materi di karya Dadang pun menghablur dan pudar, karena kita melihat disana esensinya ia bercerita tentang pembantaian masal tahun 60-an di tanah air.

Citra yang ditampilkan Dadang segera berbalik sensasinya jika kita menemui karya Yuli Prayitno, perupa asal Jogja. Yuli tahu jika keramik selalu identik dengan sebuah materi yang rapuh, gampang pecah, meskipun dibakar dalam suhu yang tinggi. Maka ia tak harus menggagas sebuah narasi yang seheroik Dadang. Ia cukup mempermainkan kesan yang rapuh dengan kesan yang pejal, atau mungkin malahan kesan yang lebih dari pejal, yakni karet. Maka sensasi yang kita terima adalah gambaran kerapuhan yang molor dan mungkret. Karya yang menggambarkan seolah barang-barang antik dan kuno, mangkok dan piring keramik Tiongkok, tiba-tiba tatkala kita sentuh menjadi elastis dan kenyal. Sebuah karya cerdas yang terbuat dari dari karet silikon dengan judul “Handle With Care Not Fragile (2014)”.

Gaya mempermainkan sensasi optis dengan strategi seperti Yuli tapi di tampilkan “sesangar” kisah Dadang adalah karya milik Shamsu Muhammad. Perupa matang yang belajar keramik ke Jepang dari negeri Jiran, Malaysia ini membubuhkan judul “Enslavement (2014)”. Cukup terdengar mengerikan bukan?  Ia menceritakan sejarah perbudakan dengan ikon-ikon rantai, yang benar-benar pejal, padat, karena terbuat dari besi. Dan dikomparasi  dengan bentuk-bentuk keras lain dari logam, seperti pengait yang runcing. Semua itu kemudian dilawankan dengan bentuk menyerupai segitiga, sepertinya bentuk lonceng yang bermateri tanah liat nan rapuh. Hasilnya, dua materi ditumbukkan,  menawarkan kekerasan yang pejal “membunuh” kerapuhan di sisi lain.

Karya lainnya, bagaimana jika kesan “sakralnya” materi porselain dan citra lukisan klasik  disandingkan dengan sesuatu yang  sehari-hari; dan biasanya terbuat dari plastik dalam  produk-produk budaya urban. Seperti misalnya sebuah pengharum ruangan mencipta sensasi khusus. Anda akan menemui karya milik Wan Li Ya dari Tiongkok,  dengan “Birds Twitter and Flowers Fragrance (2014)”. Maka yang hadir adalah impresi yang sensitif  dan adiluhung menjadi remeh dan terabaikan. Tapi karya ini tetap istimewa karena bahannya terbuat dari porselain, yang menurut kurator pameran adalah jenis bahan dengan nilai “tertinggi” pada seni keramik-- ala seni modern; dalam artian  bukan fine art, tapi seni kriya yang paling bagus.  Maka karya milik Wan Li Ya dalam perspektif  seni kontemporer telah berhasil menciptakan paradoks. Menanyakan ulang, sampai dimana sebenarnya yang dikatakan yang tinggi dan adiluhung itu pada seni keramik itu?

Kerapuhan dan kefanaan manusia yang kerap menjadi tema di perhelatan seni kontemporer  coba disindir ulang di karya milik seniman muda kita, yakni Dhea Widya dengan “Ephemermal Body (2014)”. Makna ashes to ashes, dust to dust dalam filsafat tubuh yang fana dan keyakinan spiritual menyentuh kita. Dhea membuktikan bahwa instalasinya dengan tanah liat versus air dan karya instalasi videonya bisa membuka relung-relung jiwa tentang tubuh manusia.

Karya yang cukup puitis Dhea Widya lagi-lagi bertolak belakang soal ke-tubuhan yang “di molek-molekkan” milik karya seniman Kim Joon dari Korea dengan misalnya dengan  “Absolut Vodka (2014)”. Ia melawankan sebaliknya karya Dhea, melebih-lebihkannya, menafsirkan manusia dan tubuhnya dalam gelora voyeurism. Raga adalah keindahan materialistik hari ini yang dipuja-puja menjadi “abadi”.

Dan seperti kita tahu,  budaya kontemporer merayakan sampai titik kulminasi dimana hasrat yang tak pernah henti dipuaskan, apalagi medium milik Kim Joon adalah digital print. Medium yang banyak mengingatkan kita dan mudah kita temui dalam reklame-reklame atau etalase/butik di Mal-Mal, atau sebaliknya: di kampung-kampung kumuh di Jakarta, berselebaran di iklan-iklan plastik digital di warung kopi.

Seharusnya kurator menyandingkan dua karya yang mengeksplorasi ide sejenis, dan mempertentangkannya dalam satu ruang. Seperti yang disebutkan sebelumnya, Shamsu dengan Yuli atau Dadang, sementara  Dhea dengan Kim Joon. Pastilah akan semakin menarik untuk dinikmati.

Sementara itu, kita menoleh pada karya yang agak berbeda dengan lainnya. Yakni apa yang dilakukan arsitek cum seniman kontemporer Budi Pradono dengan “Clay City (2014)”.  Arsitek kita jebolan Insitut Berlage Belanda ini membangun gugusan batu bata dengan komposisi yang meruang. Mengapit dua pintu yang menghubungkan dua ruang didalam gedung Galeri nasional. Budi memberi semacam penanda bahwa kebudayaan tua dan peradaban-peradaban kuno di sungai Tigris, Irak atau di Asia Selatan juga memulai dengan tradisi membangun rumah dari materi teracota. Budi menegaskan bagaimana kita dan rumah sejatinya adalah sebuah sejarah yang panjang  sampai apa yang disebut sekarang sebagai sebuah kota dengan rumah-rumah yang dikatakan modern.

Dari pameran tersebut, penulis mewawancarai salah seorang kurator yang memang mengakui ada beberapa kelemahan-kelemahan. Misalnya tidak tampilnya karya-karya dalam jumlah dan skala besar dan bisa diletakkan di outdoor dengan kriteria instalasi site spesific. Misalnya di halaman depan  dan samping  Galeri Nasional atau bisa jadi di stasiun Gambir.  Bukankah seni kontemporer salah satu parameternya adalah kekuatan menjelajah medan di luar ruang galeri, hingga lebih dekat  dengan publik luas? Ini juga mengenai ukuran  yang menghentak, yang membuat kesadaran akan makna “kerapuhan” materi keramik  bisa diperbesar, dihiperbolikkan.

Pada akhirnya menghelat sebuah pameran besar memang mengandung resiko-resiko. Dibalik kerja keras dan soliditas tim, ketelitian dalam  menseleksi para pekerja seni & seniman kemudian  memilih-memilahkannya, mengagurmenkannya dengan teori- teori akademis, mengamati dengan seksama tren industri keramik dan kelompok-kelompok serta komunitas seni keramik di Indonesia bertahun-tahun untuk meneguhkan sebuah konsep kecenderungan baru, sampai wajib “turun-gunung”. Di beberapa wilayah meneliti kondisi – kondisi studio yang minim atau tidak infrastrukturnya untuk residensi seniman mancanegara adalah sebuah konsekuensi.

Maka dari sekian hal tersebut, jika ada kelemahan tentu ada hulunya , yakni: keterbatasan-keterbatasan sumber daya manusia dan pendanaan, serta infrastruktur dukungan. Pembiayaan yang semaksimal mungkin memang kudu segera direalisasi dalam masa mendatang. Kita berharap  Kemeterian pendidikan dan kebudayaan atau kreatif- pariwisata dalam kabinet Joko Wi sudah selayaknya terus memiliki kekuatan politik untuk bersikap memihak dengan tegas dalam acara-acara yang sejenis.

Bambang Asrini Widjanarko

Pengamat Seni

Museum Batik Indonesia desain proposal karya BPA 2014 (2)

 

PROJECT CREDITS
Desain oleh Budi Pradono Architects
Lokasi Museum Batik Indonesia, Kawasan Taman Mini Indonesia Indah
Periode Desain Agustus 2014
Konsep oleh Budi Pradono
Principal Architect: Budi Pradono
Assistant Architects: Stephanie Monieca, Chandra Tri Adiputra, Ajeng Nadia Ilmiani, Eka Feri Rudianto
Assistant Architect Supports: Felice Surya Atmadja, Nabilla Retnaning Dewanti, Monica Selvinia, Indrawan Suwanto, 

Museum Batik Indonesia - desain proposal karya BPA 2014

 

Keberadaan Batik di Indonesia sangat kaya akan nilai-nilai historis yang berkaitan dengan Kerajaan Majapahit dan kerajaan-kerajaan setelahnya yang dapat menggambarkan kejayaan peradaban masa lalu di Nusantara. Oleh karena itu di tapak ini dibangun suatu tempat sebagai sarana untuk “mengenal lebih jauh dan mendalam mengenai kekayaan budaya Batik Nusantara” 

Pembangunan Museum Batik ini akan bersimbiosis dengan keberadaan museum-museum lain pada kompleks di Taman Mini Indonesia ini sehingga mendukung terciptanya lingkungan yang ter-edukasi untuk pengembangan kebudayaan yang dinamis, mengikuti jamannya menyinambungkan antara past-present-future.

Filosofi dan Esensi Batik Pada Museum

Desain museum secara keseluruhan merujuk pada filosofi dan esensi pokok Batik yang terdiri dari empat pokok, yaitu:

Perkembangan batik dari masa ke masa menjadi inspirasi dalam mendesain alur perjalanan pengunjung di dalam bangunan.

Lilin, Sang Perintang

Esensi Batik yang menggunakan lilin sebagai perintang warna diterapkan juga pada pengolahan finishing fasad yaitu menggunakan coating untuk merintangi oksidasi tembaga.

18:3

Perbandingan panjang : lebar kain panjang yang diterapkan sebagai ukuran layer-layer perforated metal

Ornamen utama, pengisi, dan isen pada Batik

Kain Sebagai Media Utama

Batik tidak bisa dilepaskan dari kain sebagai media utamanya yang sudah berlangsung dari jaman dahulu dan terus bertahan hingga sekarang. Keberadaan kain yang bersifat dinamis dan fleksibel ini diterapkan pada keseluruhan bangunan sehingga menjadikan Museum Batik ini bersifat dinamis dan fleksibel ditengah-tengah lingkungan yang bersifat geometris. Penerapan kain sebagai media utama ini turut mempengaruhi tata bentuk museum, yaitu:

Prosesi Past-Present-Future

Prosesi pengunjung dari satu ruang ke ruang lain diilhami dari perjalanan sejarah Batik di indonesia. Prosesi tersebut terdiri dari antara lain:

Trade-Pelayaran. Batik pertama kali dibawa ke Indonesia melalui jalur pelayaran perdagangan yang digambarkan pada prosesi entrance utama.

Kerajaan Hindu-Budha. Pada masa ini, Batik sangat erat kaitannya dengan nilai-nilai religiusitas dan ke-Tuhan-an yang tergambar pada area Lobby yang bersuasana sakral.

Lobby Utama, penuh kesakralan

Pengaruh Asing. Dalam perkembangannya, Batik mulai mendapat pengaruh asing, terutama dari daratan Cina dan Belanda. Pada saat ini pola-pola Batik yang baru mulai diperkenalkan secara lebih bebas karena campuran dari berbagai kebudayaan. Pada fase inilah kemunculan para maestro batik asing yang turut membawa pengaruh budaya bangsa diapresiasi di dalam Ruang Pameran Karya Maestro. 

Ruang Karya Maestro

Industrialisasi. Seiring dengan berjalannya waktu dan teknologi, Batik turut mendapat pengaruh dengan diperkenalkannya teknologi Batik cap yang memungkinkan produksi Batik terjadi secara lebih massal. Hal ini yang menjadi cerminan dari Ruang Pameran Karya Industri.

Ruang Karya Industri

Masa Depresi. Menjelang Kemerdekaan, Indonesia mengalami pergumulan dimana terjadi berbagai perang di berbagai daerah, sehingga menyebabkan banyak pabrik-pabrik Batik yang ditutup dan menyebabkan para seniman batik menghilang. Masa inilah yang merupakan masa-masa depresi bagi perkembangan Batik di Indonesia yang digambarkan pada Lorong Depresi sebagai transisi antara Ruang Pameran Karya Industri dan ruang pameran selanjutnya.

Lorong Depresi

Kemerdekaan Indonesia. Batik kembali berjaya pada masa paska kemerdekaan, saat Ir.Soekarno menjadikan Batik sebagai simbol pemersatu Bangsa. Beliau lah penggagas agar Batik yang telah ada dirumuskan menjadi Batik Indonesia. Saat inilah Batik kembali populer. Ini dilambangkan dengan Ruang Pamer Utama yang berisi berbagai karya Batik dari seluruh penjuru Nusantara. Ruang Pamer Utama merupakan bentuk relaksasi setelah masa-masa depresi yang sebelumnya dialami Batik Indonesia. Kesan lapang, tinggi serta luas, coba ditonjolkan pada kualitas ruang ini.

Ruang Pamer Utama

Era Modern. Berkembangnya pengetahuan dan teknologi turut membawa Batik ke era baru, dimana Batik kini tidak hanya sebatas diatas Kain, namun juga turut mempengaruhi gadget, otomotif, arsitektur, tekstil, dan lain-lain. Bahkan Batik yang dulu digambar manual, kini dapat didesain dengan rumus matematika, yang disebut Batik Fraktal. Semua perkembangan ini kemudian tergambar pada Ruang Pameran Kontemporer.

Ruang Pamer Temporer

 

Barcode

Penataan ruang-ruang dengan menggunakan metode seperti barcode yang tegak lurus dari aksis Tugu Api Pancasila. Penggunaan metode barcode bertujuan untuk menjadi pengikat dan penguat antara massa-massa ruang dengan struktur perforated metal.

 

Full of void

Ruang-ruang pameran didesain dengan skala dan ketinggian ruang yang berbeda-beda untuk menciptakan kualitas ruang yang berbeda-beda

Full of continuity

Membuat berbagai akses dari luar bangunan museum, yang ditarik dari berbagai aksis dari museum sekitar tapak yaitu aksis-aksis dari Museum Pusaka, Museum Serangga, dan Museum Keprajuritan sehingga terjadi path yang saling berhubungan.