Monday, November 22, 2010

budi pradono: inprocess

Why an architect does needs a long experience like an aircraft pilot? Or long breath as a marathon runner? Those matters differentiate an architect and a visual artist. A painter is a freedom person, he challenges himself. The final result is in the form of the work of art itself, if someone does not understand the values of beauty and the meaning of a painting that is not a big problem because a painting product becoming the work of artist not directly related to the function of space and type of its activities, even though it can be made a part of its spatial decoration.

There is no bourgeois class directing his painting so that the artist has unlimited freedom. This matter differentiates him with the architect in realizing the idea. In his nature of sub-consciousness, an architect thinks about his obligation to process idea in the several media of sketches, three-dimension models, mock-up, rendering and so on as a means of communication with his clients or the public audience.

Someone buying an abstract idea from an architect sometimes demands many things in order to be appropriate with his need and imagination, concerning spatial area, shape of building, material, to composition of space. Even, it sometimes the architect must be adapted to feng shui aspects. When it is compared to the marathon runner, often the architect has to run several laps again in order to reach point of understanding or compromise acceptable by the other parties. If there are no many practices, of course he can collapse on the street.

Experience of an aircraft pilot or an architect has several similarities, one of them is to practice the patience and intuition in conducting various maneuvers to go through the sky, to read compass and wind direction in order that the aircraft can remain move fast. The architect’s freedom is eventually left a bit (as big as a little finger) compared to his initial idea which is as big as the cloud on the sky. In addition to technical compromise with the structural expert that requires the architect to think pragmatically and practically. During this design process, imagination of an architect must be transformed into a public imagination in order that quality of space he thinks about can be understood. An architectural model becomes one of in-between bridges of the architect’s imaginations in order to be easily understood by its community.

Then, when I learn from such differences, architect’s long and complicated creative process is found to have its own beauty. I then realize that big idea and concept in a building consist of a group of so many small ideas. Even though challenges of architectural designs insist me to continuously innovate, when design process begin, there are several aspects of compromise and dialog that must be followed and sometimes it is found to be able to produce amazing and unpredictable results.

I am must also more flexible in responding regulations, examining functional program, exploring the material, combination or composition of various materials and all of them direct to something to be reached later, either quality of physical and implicit space. Such phases are not only parts of the architect’s concept implementation but also including tug-of-war journey process in the form of practical negotiation with the need of end-user having specific criteria in every space. Then pragmatically specification of end-user must remain be translated aesthetically for the sake of producing a stunning, unique and personal arrangement composition.

By taking into account the process of a work of design since the beginning to the end, it can provide inspiration for the next project. This underlies why I would like to organize the exhibition entitled’ In Process’. The process on design architecture it is found too long compared to creative process of other disciplines. In the world of architecture, the role of architect is to create and process the basic idea first, then it is communicated to other experts such as structural, mechanical and electrical experts and so on. I realize that integration of various disciplines is extremely needed not only on paper but also in the construction field. In globalization era as a present, I also start to play role in various projects abroad that requires me to make justification in order to absorb the language and cultural differences. Finally, I am increasingly realizing that architecture is a universal art of design, language of picture becomes the ‘adhesive’ of dialog among such differences.

I wish always to use local materials which are weak and susceptible to weather, that have ever been used by the human beings since long time ago such as clay, bamboo, stone, pebble, brick stone and so on which are combined with industrial materials such as steel or glass. This exploration of course needs intensity and sensitivity on the materials.

On the other side, I would like to maintain relation between environment and building (architecture), particularly because I grew up in tropical country, I would like to make relative relation with the nature by means of perforating, or make the wall becomes slightly porous so that it actually produces a very interesting interior. Basically, in our country where the sun shine at any time, it inspires that actually border of indoors and outdoors can be made relative or it is not necessary to be bordered with too rigid thing, which is able to integrate with the nature. The effect of various materials makes silhouette or reflection exist either from inside the glass or water. This spatial quality I call ambiguous space. This space is life because the silhouette that presents so that it has fourth dimension; time, light and reflection.

In several projects, I have tried to utilize laser cut technology, a machine which can cut steel finely so that it can produce beautiful ambiguous space. I appreciate this space as a bridge between the building (architecture) and nature.

Quality of this space atmosphere always changes depending on parameter of outdoor and indoor lighting. I visited Hiroshige Ando Museum in Tochigi, one hour trip from the outside of Tokyo city, several times during different seasons and period, I found that spatial quality offered always changed and always new. This is because lighting quality during every season is different.

Ambiguous space is defined by intangible thing, such as its silhouette, lighting, reflection and movement. Movement of material silhouette from morning to noon is different from movement of silhouette from noon to afternoon.

As for me, a massive wall places a too-hard border, like separating a place to another place. A rigid border, as for me, insufficiently give opportunity to dialog between the nature and architecture that I create, in which there is an intense dialog between indoors and outdoors, there is transfer of information between both. Like shoiji paper on Japanese traditional building that provides freshness of lighting into the space or otherwise interior of a building can distribute silhouette to outside of building during afternoon or evening. An exchange of information needs ray as it media. I would like to use exchange of information as present that forms the architecture so that spatial scope needs to be questioned again its porosity, or its material so that mysterious relation between human being and the nature will remain exist.

The cover of a place is a medium of information penetration of outside environment. If we get perforating on such cover has become a media as information penetration either in the form of lighting or all particle on air. This media is as actual second skin that can be reprocessed, hurt, provided with various perforating pattern so that it becomes a filter for the presence of lighting into the building.

In presenting this ambiguous space, I am also not reluctant to question again the roof that always tight-closed so that we need artificial lighting. On R-house and H-house projects, part of their roofs have been substituted with grasses to reduce heat as well as to make the city green but several parts tend to be open and given glass and metal articulations so that it is able to produce natural lighting into the house as well as present this mysterious spatial atmosphere.

I also extremely appreciate the procession. As for me, the process of human being journey to understand different spatial quality nearly always exists in architecture that I created. With articulation on its lighting. This produces drama, such as music. This can be felt such as on ISSI villa project in Bali, R-house and Kencana House in Jakarta. People who come to my projects are invited to see through and experience fully the space whose atmosphere always changes.

Therefore, in the concept of this exhibition, I would like to perform various documentations in the form of sketches, film, an architectural models, mock-up to daily notes such as artifacts. This concept is very suitable with character of location where this exhibition is held, at Mandiri Museum, Jakarta Kota. In addition to, the most importing matter for me is to give opportunity for myself to conduct a moratorium, see through again architectural process itself so that I remain able to understand current needs and make auto critic. Since the building has its own ‘story’, then this exhibition shows 13 different projects with various phases. Each project has its own excellence. For the most part showed here are unfinished or nearly finished projects, with the range between six months to seven years. If these projects have finished I believe that documentations of design process and implementation become something very valuable. Therefore, I have expectation that this exhibition can give motivation and inspiration not only for young generations but also for our contemporary society.

(budi pradono, 20.10.2010)

Mengapa arsitek memerlukan jam terbang yang panjang seperti pilot pesawat? Atau nafas yang panjang seperti pelari marathon? Itulah yang membedakan arsitek dengan seniman murni. Seorang pelukis adalah seorang yang merdeka, bergumul melawan dirinya sendiri. Hasil akhirnya berupa karya seni itu sendiri. Jika orang di luar diri si seniman tidak memahami nilai keindahan dan makna dari sebuah lukisan, itu bukan persoalan besar karena produk lukisan yang menjadi karya seni tadi tidak terkait langsung dengan fungsi ruangan berikut jenis aktivitasnya, meskipun dapat dijadikan bagian dari dekorasi ruangnya.

Tidak ada kaum borjuis yang mengarahkan lukisannya sehingga sang seniman memiliki kebebasan tanpa batas. Ini pula yang membedakannya dengan arsitek dalam merealisasikan gagasan. Di alam bawah sadarnya, seorang arsitek berpikir tentang kewajibannya memproses ide dalam media gambar, maket model tiga dimensi, komputer rendering dan sebagainya sebagai alat komunikasi dengan kliennya atau masyarakat umum.

Seseorang yang membeli gagasan abstrak dari arsitek kadang-kadang menuntut banyak hal supaya sesuai dengan kebutuhannya atau imajinasinya, baik mengenai luas ruang, bentuk bangunan, material, sampai susunan ruangannya. Bahkan kadangkala harus disesuaikan dengan aspek fengshui. Bila diibaratkan dengan pelari marathon, seringpula arsitek harus berlari beberapa putaran lagi guna mencapai titik kesepahaman atau kompromi yang dapat diterima pihak lain (klien). Jika tidak banyak latihan, tentu saja bisa terjatuh di tengah jalan. Jam terbang seorang pilot maupun arsitek memiliki beberapa kesamaan, salah satunya adalah melatih kesabaran dan intuisi dalam melakukan berbagai manuver menembus awan belantara, membaca kompas dan arah angin supaya pesawat bisa tetap melaju kencang. Kemerdekaan arsitek akhirnya tinggal sebesar jari kelingking dibandingkan ide awalnya yang sebesar awan di langit. Belum lagi kompromi teknis dengan ahli struktur yang mengharuskan arsitek berpikir pragmatis dan praktis. Dalam proses perancangan ini imaginasi seorang arsitek harus di transformasikan ke dalam imaginasi masyarakat agar kualitas ruang yang dibayangkannya dapat dipahami. Media maket menjadi salah satu jembatan antara imaginasi sang arsitek dapat dipahami dengan mudah oleh masyarakat.

Maka ketika saya belajar dari perbedaan tersebut, sebuah proses kreatif arsitek yang panjang dan berliku-liku ternyata memiliki keindahannya tersendiri. Saya kemudian sadar bahwa ide dan gagasan besar dalam satu bangunan terdiri dari sekumpulan ide-ide kecil yang banyak sekali. Meskipun tantangan desain arsitektur menuntut saya untuk terus berinovasi, ketika proses merancang dimulai, ada beberapa aspek kompromi dan dialog yang harus dilalui dan ternyata mampu menghasilkan hal mencengangkan serta tak terduga.

Saya pun harus lebih fleksibel dalam menyikapi peraturan, menyiasati program fungsional, eksplorasi material, kombinasi atau komposisi berbagai material dan semua itu mengarahkan pada sesuatu yang akan dicapai kemudian, baik kualitas ruang fisik maupun implisit. Tahapan tersebut tidak saja bagian dari implementasi konsep dari arsitek tetapi juga termasuk perjalanan prosesnya yang selalu tarik menarik dalam bentuk negoisasi praktis dengan kebutuhan end-user yang memiliki kriteria spesifik pada setiap ruang. Maka spesifikasi pragmatis dari end-user tetap harus diterjemahkan secara estetik demi menghasikan suatu komposisi aransemen yang indah, unik dan personal.

Dengan memperhatikan proses sebuah karya rancangan sejak awal hingga akhir dapat memberikan inspirasi bagi proyek berikutnya. Inilah yang mendasari mengapa saya ingin menampilkan pameran bertajuk In Process’. Proses dalam merancang arsitektur ternyata sangat lama dibandingkan dengan proses kreatif dari disiplin lain . Dalam dunia arsitektur, peran arsitek adalah menciptakan dan mengolah ide dasarnya dulu, baru setelah itu dikomunikasikan pada ahli lainnya seperti ahli struktur, ahli mekanikal elektrikal dan sebagainya. Saya sadar bahwa integrasi antar berbagai disiplin sangat diperlukan tidak saja di atas kertas tetapi juga di lapangan. Dalam era globalisasi seperti saat ini, saya juga mulai berperan dalam beragam proyek di luar negeri yang mengharuskan saya untuk melakukan justifikasi agar dapat menyerap perbedaan bahasa dan budayanya. Akhirnya saya semakin sadar bahwa arsitektur adalah seni desain yang universal, bahasa gambar menjadi perekat dialog antar perbedaan tersebut.

Saya selalu ingin menggunakan material-material lokal yang lemah yang rentan terhadap cuaca, yang sudah pernah digunakan oleh manusia sejak dahulu seperti tanah liat, bambu, batu, kerikil, bata dan seterusnya yang di kombinasikan dengan material industri seperti baja maupun kaca. Explorasi ini tentu saja memerlukan intensitas maupun kepekaan pada material.

Di sisi yang lain saya ingin mempertahankan hubungan antara lingkungan dan bangunan (arsitektur), terutama karena saya tumbuh di negara tropis, saya ingin merelatifkan hubungan dengan alam dengan cara melubangi, atau membuat dinding menjadi sedikit porous sehingga dengan begitu sebenarnya menghasilkan ruang dalam yang sangat misterius. Sejatinya di negara kita yang matahari bersinar setiap waktu menginspirasikan bahwa sebenarnya batas ruang luar dan dalam dapat dielimir dan tidak perlu dibatasi dengan sesuatu yang terlalu rigid, sehingga bisa menyatu dengan alam. Efek dari berbagai material menghadirkan bayangan maupun pantulan baik dari dalam kaca maupun air. Kualitas ruang inilah yang saya sebut ambiguous space, ruang yang ambigu. Ruang ini hidup karena bayangan yang hadir sehingga memiliki dimensi ke empat yaitu waktu, cahaya dan bayangan.

Pada beberapa proyek saya sudah berusaha memanfaatkan teknologi laser cut, mesin yang dapat memotong baja dengan halus sehingga dapat menghasilkan ambigouos space yang indah. Ruang inilah yang saya hargai sebagai jembatan antara bangunan (arsitektur) dan alam.

Kualitas suasana ruangan ini selalu berubah bergantung dari parameter pencahayaan luar ruang maupun pencahayaan dari dalam. Saya mengunjungi Hiroshige Ando Museum di Tochigi satu jam dari luar kota Tokyo, beberapa kali dalam musim dan waktu yang berbeda-beda, saya mendapati bahwa kualitas ruang yang ditawarkan selalu berubah dan selalu baru. Hal ini karena kualitas pencahayaan pada tiap musim berbeda-beda.

Ruang ambigu didefinisikan oleh sesuatu yang intangible yaitu bayangan, pencahayaanya, pantulan dan pergerakannya. Pergerakan dari bayangan material dari pagi ke siang hari berbeda dengan pergerakan bayangan dari siang hari ke sore hari.

Bagi saya dinding yang masif meletakkan sebuah batas yang terlalu keras, seperti memisahkan suatu tempat dengan tempat lainnya. Batas yang riqid bagi saya kurang memberikan kesempatan untuk berdialog antara alam dengan arsitektur yang saya diciptakan, jika ada dialog yang intens antara ruang dalam dan ruang luar, ada transfer informasi antara keduanya. Seperti kertas shoiji pada bangunan tradisional jepang yang memberi kesegaran penerangan ke dalam ruang atau sebaliknya interior sebuah bangunan bisa membagikan bayangan ke luar bangunan disaat sore hari atau malam hari. Sebuah pertukaran informasi yang membutuhkan sinar sebagai medianya. Saya ingin menggunakan pertukaran informasi seperti saat ini yang membentuk arsitektur sehingga pelingkup ruang perlu dipertanyakan kembali porousitasnya, atau materialnya sehinga relasi yang misterius antara manusia dan alam akan tetap ada.

Pelingkup dari sebuah ruang adalah alat penetrasi informasi dari lingkungan di luar. Jika kita mendapatkan pelubangan pada pelingkup tersebut maka pelingkup tersebut telah menjadi media sebagai penetrasi informasi baik itu berupa pencahayaan maupun segala partikel diudara. Media inilah sebagai kulit kedua yang sebenarnya dapat diolah kembali, dilukai, di beri pola perlubangan yang bermacam-macam hingga menjadi saringan bagi hadirnya pencahayaan ke dalam bangunan.

Dalam menghadirkan ruang ambigu ini saya juga tidak segan untuk mempertanyakan kembali atap yang selalu tertutup rapat sehingga kita perlu pencahayaan buatan. Pada proyek R-house dan H-house atapnya sebagian telah diganti dengan rumput untuk mereduksi panas dan sekaligus menghijaukan kota tapi beberapa bagian cenderung dibuka dan diberi artikulasi kaca dan metal sehingga mampu menghasilkan pencahayaan alami ke dalam rumah sekaligus menghadirkan suasana ruang yang misterius ini.

Saya juga sangat menghargai prosesi. Bagi saya proses perjalanan manusia memahami kualitas ruang yang berbeda-beda hampir selalu ada dalam arsitektur yang saya ciptakan. Dengan artikulasi pada pencahayaannya. Ini menghasilkan drama, seperti musik. Ini dapat dirasakan seperti pada proyek ISSI vila di Bali, R-house dan Kencana House di Jakarta. Orang yang datang ke tempat tersebut selalu diajak untuk menyelami dan menghayati ruang yang selalu berubah suasananya.

Oleh sebab itulah dalam konsep pameran ini, saya ingin menampilkan berbagai dokumentasi baik dalam bentuk sketsa, film, maket sampai catatan-catatan harian seperti artefak. Konsep ini sangat sesuai dengan karakter lokasi dimana pameran ini diselenggarakan yaitu di Museum Mandiri, Jakarta Kota. Disamping itu, hal paling penting bagi saya adalah memberi kesempatan bagi diri saya untuk ber-moratorium, menyelami kembali proses berarsitektur itu sendiri sehingga saya tetap dapat memahami kebutuhan kekinian sekaligus melakukan eco critic. Karena sebuah bangunan memiliki ‘cerita’-nya masing-masing, maka pameran ini pun menampilkan 13 proyek berbeda yang memiliki tahapan yang beragam. Setiap proyek tersebut memiliki keunggulannya masing - masing. Sebagian besar yang ditampilkan di sini adalah proyek yang belum dan hampir selesai, dengan rentang waktu antara enam bulan sampai tujuh tahun. Jika proyek ini sudah selesai saya yakin bahwa dokumentasi proses perancangan dan implementasinya menjadi sesuatu yang sangat berharga. Dengan demikian, saya memiliki harapan bahwa pameran ini dapat memberi motivasi serta inspirasi tidak saja untuk generasi muda tetapi juga bagi masyarakat dunia.

Budi Pradono. 20.10.2010